• Kojot / Prédateurs : film hongrois fatigant
    https://tagrawlaineqqiqi.wordpress.com/2023/04/30/kojot-predateurs-film-hongrois-fatigant

    « Oh tiens, un film hongrois, je n’ai jamais vu de film hongrois, voyons à quoi ça peut ressembler » me dis-je en voyant passer Kojot, Coyote en hongrois mystérieusement traduit par Prédateurs en français. Je ne sais pas si je regarderai encore un film hongrois tant l’expérience a été épuisante. Pour l’histoire, c’est un jeune employé […]

    #Films #Cinéma #Hongrie
    https://0.gravatar.com/avatar/fae7880a13ff373ef7ab14b76ec88027?s=96&d=identicon&r=G
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  • Fiktive Währungen – Moneypedia
    https://www.moneypedia.de/index.php/Fiktive_W%C3%A4hrungen


    Le producteur UFA fut imprimer des billets de banque fictifs, on n’imaginait pas encore un avenir aux objet symboliques dématérialisés.

    https://de.wikipedia.org/wiki/Metropolis_(Film)#Sonstiges

    Die Banknoten der Zentralbank von Metropolis haben ein eigenes Währungssymbol und tragen unter anderem die Unterschrift von Fritz Lang. Es soll 100 M, 500 M und 1000 M Noten gegeben haben.

    Il y a eu un nombre impressionnant de monnaies fictives qui témoignent de la fascination pour le culte de l’argent.

    1 fiktive Wirtschaftssysteme mit eigenen Banknoten

    1.1 Accornero – Paperdollari
    1.2 ALF – Wernick
    1.3 Afrika - Afro
    1.4 Captain Future – Systemdollars
    1.5 Der Diktator - Dollars aus Wadiya
    1.6 Diener des Volkes
    1.7 Entenhausen
    1.8 Euro Zone - Sinoamerikanische Währungsunion, Dollüans
    1.9 Europa der Zukunft - Euros aus dem Banknotendrucker
    1.10 Fringe
    1.11 Genovien - Euro
    1.12 Grossfenwick
    1.13 Hotel Budapest
    1.14 Howard the Duck (film) – Entendollar
    1.15 Kampfstern Galactica - Cubits
    1.16 Metropolis – Mark
    1.17 1984
    1.18 Paperopoli - Fantastiliardi
    1.19 Prinz aus Zamunda – Pfund
    1.20 Sliders (Pilotfilm) – Dollar der „Sozialiatischen Staaten von Amerika“
    1.21 SpongeBob - Dollar
    1.22 Street Fighter The Movie
    1.23 The Man in the High Castle
    1.24 Total Recall – Marsbanknoten
    1.25 Total Recall (Remake) - Noten der „United Federation of Britain“

    2 fiktive Wirtschaftssysteme ohne Banknoten

    2.1 Aventurien
    2.2 Babylon 5 – Krediteinheiten
    2.3 Babylon 5 – Centauri-Dukaten
    2.4 Bayern - Bazi
    2.5 Harry Potter – Galleone
    2.6 Star Trek – Metallbarren und mehr

    3 Sonstiges
    4 Links

    #culte_de_l_argent #film #dystopie #Metropolis

    • Ici tu peux le visionner en HD 1080
      https://www.youtube.com/watch?v=5_otjp-2Fek


      https://de.wikipedia.org/wiki/Metropolis_(Film)

      Produktionsland Deutschland
      Originalsprache Deutsch
      Erscheinungsjahr 1927
      Länge

      153 (1/1927)
      117 (8/1927)
      83 (1984)
      118 (2001)
      145 (2010)

      (für 24 Bilder/Sek.)
      [Anm 1]
      in Minuten
      Altersfreigabe

      FSK 6[1] bzw. 0[2]
      (früher „nicht jugendfrei“)[Anm 2]

      Stab
      Regie Fritz Lang
      Drehbuch Fritz Lang,
      Thea von Harbou
      Produktion Erich Pommer
      Musik Gottfried Huppertz
      Kamera Karl Freund,
      Günther Rittau,
      Walter Ruttmann
      Schnitt Fritz Lang
      Besetzung

      Brigitte Helm: Maria/Maschinenmensch
      Gustav Fröhlich: Freder Fredersen
      Alfred Abel: Joh Fredersen, Freders Vater und Herrscher von Metropolis
      Rudolf Klein-Rogge: C. A. Rotwang, der Erfinder
      Fritz Rasp: Der Schmale
      Theodor Loos: Josaphat
      Erwin Biswanger: Georgy, der Arbeiter Nr. 11811
      Heinrich George: Grot, der Wächter der Herz-Maschine

      Nicht im Abspann

      Heinrich Gotho: Zeremonienmeister
      Olaf Storm: Jan
      Hanns Leo Reich: Marinus
      Fritz Alberti: Schöpferischer Mensch
      Margarete Lanner: Dame im Auto / Frau der ewigen Gärten
      Rolf von Goth: Sohn der Ewigen Gärten
      Beatrice Garga, Annie Hintze, Margarete Lanner, Helen von Münchhofen und Hilde Woitscheff: Frauen der ewigen Gärten
      Max Dietze, Georg John, Walter Kurt Kühle, Arthur Reinhardt, Erwin Vater und Curt Siodmak: Arbeiter
      Grete Berger, Olly Boeheim, Ellen Frey, Lisa Gray, Rose Liechtenstein und Helene Weigel: Arbeiterinnen

      #Film #dystopie

  • [Talk From Homografía] dj set Prinzessin - Talk From Homografía #20
    https://www.radiopanik.org/emissions/talk-from-homografia/talk-from-homografia-20/#15673

    dj set Prinzessin

    Printemps, saison du plaisir ? Elle s’annonce en tout cas chaude car début mai marque le retour du #festival SNAP ! et du Brussels #porn #film Festival et pour preuve nous recevons deux de ses programmateur.ice.s afin de TOUT savoir sur une programmation qui s’annonce tout aussi audacieuse et excitante ! Dédié aux représentations des travailleur·euses du sexe et aux pornographies alternatives, découvrons comment ce double événement contribue à la lutte contre la stigmatisation des minorités de genre et de sexualité.

    En fin d’émission, place à la musique avec un mini set xXx par votre hôte Prinzessin

    Invité.x.s Lucie & Miguel pour BxlPFF X SNAP ! Festival

    Régie : Suzy Q

    Host & Music selector : (...)

    #lgbtqia+ #talkshow #prosexe #bodypositive #festival,film,lgbtqia+,porn,talkshow,prosexe,bodypositive
    https://www.radiopanik.org/media/sounds/talk-from-homografia/talk-from-homografia-20_15673__0.mp3

  • [Talk From Homografía] Talk From Homografía #20
    https://www.radiopanik.org/emissions/talk-from-homografia/talk-from-homografia-20

    Printemps, saison du plaisir ? Elle s’annonce en tout cas chaude car début mai marque le retour du #festival SNAP ! et du Brussels #porn #film Festival et pour preuve nous recevons deux de ses programmateur.ice.s afin de TOUT savoir sur une programmation qui s’annonce tout aussi audacieuse et excitante ! Dédié aux représentations des travailleur·euses du sexe et aux pornographies alternatives, découvrons comment ce double événement contribue à la lutte contre la stigmatisation des minorités de genre et de sexualité.

    En fin d’émission, place à la musique avec un mini set xXx par votre hôte Prinzessin

    Invité.x.s Lucie & Miguel pour BxlPFF X SNAP ! Festival

    Régie : Suzy Q

    Host & Music selector : (...)

    #lgbtqia+ #talkshow #prosexe #bodypositive #festival,film,lgbtqia+,porn,talkshow,prosexe,bodypositive
    https://www.radiopanik.org/media/sounds/talk-from-homografia/talk-from-homografia-20_15674__1.mp3

  • “Il tempo dei giganti”, il documentario sulla “pandemia botanica” in Puglia

    Venti milioni di ulivi colpiti dalla #Xylella_Fastidiosa, un paesaggio stravolto, le microeconomie in ginocchio, come le relazioni. Proiettato in anteprima al Festival del cinema europeo di Lecce, il film di Davide Barletti e Lorenzo Conte sta girando l’Italia. “Le persone hanno voglia di confrontarsi per immaginare il dopo catasfrofe”

    Alberi che con i loro frutti hanno fatto l’economia di una terra, intorno ai quali si raccontavano storie e leggende, le cui chiome hanno disegnato nei secoli il paesaggio della Puglia. Sono gli ulivi, i giganti verdi che negli ultimi anni sono stati colpiti da un batterio micidiale: la Xylella Fastidiosa. La più grave “pandemia botanica” del secolo sta uccidendo milioni di alberi, stravolgendo il territorio, l’economia e anche le relazioni umane.

    La vicenda è narrata nel documentario “Il tempo dei giganti”, diretto da Davide Barletti e Lorenzo Conte, e prodotto da Dinamo Film e Fluid Produzioni. Il protagonista è Giuseppe, che dal Salento decide di tornare dal padre, che abita più a Nord nella piana degli ulivi monumentali, per raccontare all’anziano contadino come la vita verrà stravolta con l’arrivo della Xylella. Il film, che è stato proiettato in anteprima al Festival del cinema europeo di Lecce, ora sta girando per l’Italia con una serie di serate-evento con successivo dibattito: per ogni biglietto venduto, un euro viene devoluto all’associazione Save the olives. “Le persone hanno voglia di confrontarsi sul passato e sul futuro di una terra ormai devastata dalla desertificazione e dal cambiamento climatico -racconta il regista Lorenzo Conte-. La Xylella rappresenta sì un nemico invisibile che minaccia la nostra esistenza, ma è anche un’opportunità per rigenerare un territorio e immaginare un nuovo domani”.

    Lorenzo, nei film realizzati insieme a Davide Barletti avete raccontato diversi volti della Puglia. Perché ora avete deciso di trattare l’epidemia della Xylella?
    LC È stata una scelta naturale. Le vicende che raccontano il territorio e i suoi abitanti hanno sempre contraddistinto i nostri film, e la Puglia è stata il teatro privilegiato per ambientare queste storie. In “Italian Sud Est” abbiamo parlato delle caratteristiche ferrovie del Salento come metafora di un territorio che si trasformava da una condizione di modernità incompiuta a una postmoderna. Con “Fine pena mai” e “Diario di uno scuro” abbiamo raccontato la nascita della Sacra Corona Unita e il brusco risveglio di una comunità che ignorava la presenza al suo interno di un’organizzazione mafiosa. Fino ad arrivare al nostro ultimo film, “La guerra dei cafoni”, dove abbiamo osservato il meridione e le sue ataviche divisioni attraverso gli occhi dei bambini. A quel punto ci siamo fermati e siamo stati in ascolto. Ci siamo trovati sotto gli occhi quello che stava succedendo con la Xylella: venti milioni di alberi colpiti, un paesaggio stravolto, le microeconomie in ginocchio, il turismo in difficoltà. In Salento tutti hanno degli ulivi: questi alberi fanno parte del Dna di questo territorio.

    Il film intreccia tre diversi livelli narrativi: come avete ideato questa struttura?
    LC In primis abbiamo deciso di dare voce agli abitanti del Salento, che hanno vissuto sulla propria pelle il dramma della morte dell’ulivo: gli olivicoltori, i contadini, i frantoiani, ma anche gli attivisti e le istituzioni locali. Poi c’è un secondo livello, quello di chi può inquadrare il problema della Xylella dall’alto: scienziati, sociologi, scrittori, giornalisti, che nel documentario aiutano a leggere questo fenomeno all’interno dei cambiamenti che stanno avvenendo a livello globale. Infine, c’è la storia del rapporto tra un padre e un figlio: quest’ultimo viaggia da Sud verso Nord per raccontare al padre quello che sta accadendo, perché ci sono cose che i suoi anziani occhi non possono, o forse non vogliono, vedere.

    Perché l’ulivo è così importante per un territorio come la Puglia?
    LC Queste piante hanno centinaia, a volte migliaia di anni. Per questo rappresentano non solo un sostentamento economico, ma anche un legame diretto con i propri antenati, che le hanno seminate e fatte crescere. L’ulivo è un simbolo del legame con la nostra storia, con la nostra identità, con le nostre radici: tiene traccia della linea del tempo. È uno degli emblemi della società occidentale, fin dall’antica Grecia, e il suo ramoscello è un simbolo di pace. Per questo la morte dell’ulivo è una metafora della crisi di quel mondo: vedere questi alberi secchi è come assistere alla morte della propria famiglia, senza la quale ci si sente persi, senza fondamenta.

    La Xylella è arrivata in Italia intorno al 2008 con una pianta di caffè infetta importata dal centro America: questa epidemia coinvolge l’equilibrio tra uomo e natura, tra locale e globale. Proprio come la pandemia da Covid-19.
    LC L’arrivo della Xylella ha reso terribilmente vicine questioni che sembravano non appartenere al nostro Paese: epidemie, globalizzazione dei mercati, nuovi organismi patogeni importati da lontano. Tanti elementi che poi si sono ripresentati con il Covid-19. Anche in questo caso, la scienza non è stata in grado di comunicare con le persone, la politica è andata alla ricerca del consenso e non è riuscita a immaginare politiche a lungo termine, mentre i media hanno premiato le risposte semplicistiche e immediate. Abbiamo ascoltato teorie complottistiche che negavano la presenza del batterio nonostante fosse conosciuto da decenni, abbiamo assistito allo scontro tra scienza e antiscienza e abbiamo visto crescere l’importanza dei social media nella diffusione di informazioni e fake news. L’epidemia della Xylella era una storia più piccola rispetto alla pandemia, ma le dinamiche erano le stesse: se fossimo rimasti in ascolto, avremmo potuto imparare molto.

    Il “tempo dei giganti” è finito o può ritornare?
    LC Questo è un film sul tempo: i cosiddetti “giganti del Salento”, i grandi patriarchi, sono stati lì per centinaia, a volte migliaia di anni, nel loro tempo. E il tempo degli alberi ha un’unità di misura diversa rispetto a quello degli esseri umani: il tempo dell’uomo, il tempo della pianta e il tempo della storia corrono a velocità diverse. Oggi la maggior parte degli ulivi centenari sono morti, e questo non si può cambiare. Senza le loro chiome non c’è più ombra, il che velocizza un processo di desertificazione che era già cominciato a causa dello sfruttamento intensivo dei terreni. Anche per questo la Xylella ha avuto vita facile. Ma nel futuro ci può ancora essere speranza: ecco perché oggi ci si interroga su come ricostruire il territorio dopo una catastrofe del genere.

    La Regione Puglia l’anno scorso ha stanziato 13 milioni di euro per salvaguardare gli olivi rimasti e piantarne di nuovi, a cui si sommano altri 60 milioni di euro previsti per quest’anno. È possibile una rinascita?
    LC Il nostro documentario è diviso in due parti: nella prima raccontiamo quello che è stato, nella seconda quello che sarà. Come immaginare la riforestazione del Salento? È il momento che le migliori menti si mettano attorno a un tavolo e aprano un dialogo serio: le istituzioni insieme agli agronomi, agli ambientalisti, ai sociologi. Le risorse sono state stanziate: ora la politica deve essere in grado di dare risposte rapide e incisive, altrimenti la popolazione si sentirà abbandonata. Si deve però partire da un paradigma diverso, cercando di non ricadere negli errori del passato: certo, l’ulivo deve rimanere al centro di questa rinascita, ma evitando la monocoltura e dando spazio alle diverse specie che esistono in natura. E poi bisogna puntare anche su altre coltivazioni, in nome della biodiversità, utilizzando tecniche innovative di agricoltura come quelle a basso consumo di acqua. È come una ricostruzione post bellica: serve un nuovo patto tra essere umano e pianta, altrimenti ne andrà della nostra sopravvivenza sulla terra.

    https://altreconomia.it/il-tempo-dei-giganti-il-documentario-sulla-pandemia-botanica-in-puglia

    #Pouilles #Italie #oliviers #maladie #film #documentaire #film_documentaire

  • Will We Call Them Terrorists ? - The New York Times
    https://www.nytimes.com/2023/04/05/magazine/how-to-blow-up-a-pipeline-terrorism-climate-change.html

    The film “How to Blow Up a Pipeline,” directed by Daniel Goldhaber, was loosely adapted from a 2021 manifesto of the same name by the Swedish political theorist Andreas Malm. The book’s argument is simple: If the climate movement is serious about reducing fossil-fuel emissions at the necessary speed and scale, Malm contends, it will have to make room for strategies long dismissed as too extreme, including the illegal destruction of fossil-fuel infrastructure. Just a few years ago, this argument would only have appeared in organs of mainstream opinion so it could be condemned. Instead, the book received respectful coverage from outlets around the world. Now, surprisingly, it is a movie, one with prominent distribution and a cast featuring familiar faces from prestige TV.

    #film (so-called) #écoterrorisme (pas vu)

  • A Better Tomorrow, 1986
    https://www.lovehkfilm.com/reviews_2/better_tomorrow.htm

    Le moment est venu pour rappeller que l’unité de la Chine a toujours été un sujet d’actualité. Quand en 1986 sort le légendaire 英雄本色, (mandarin : Yīngxióng Běnsè, cantonais : Jyutping Jing1hung4 Bun2sik1) ses producteurs choisissent comme musique pour une scène centrale et le générique final la chanson 明天會更好 (Míngtiān huì Gènghǎo). A travers ce choix ils insistent sur le côté métaphorique du film qui met en scène les tentatives de reconciliation de deux frères transformés en ennemis par leurs alliances avec des forces plus grandes qu’eux. Au moment de la première du film la chanson se vendait partout en Taiwan et Hongkong. Elle était une sorte de version chinoise de « We Are The World » et réunissait une soixantaine d’idôles de la musique pop chinoise dans une campagne de soutien aux pauvres. Ses paroles ont vite été compris comme un appel au rapprochement mutuel de tous les Chinois y compris ceux de la diaspora asiatique et américaine dans l’espoir d’un meilleur demain et d’une nouvelle unité nationale dans une époque de paix.

    https://www.youtube.com/watch?v=s6T4DXRKYHM

    Le titre de la chanson à inspiré le titre anglais du film, mais les Dabizi amerloques n’ont jamais saisi le sens du message. Il s’est pedu dans le bruit de fond du nouveau conflit impérialiste naissant qui s"est révélé pour la première fois au grand public trois ans plus tard au mois de juin sur la place Tian An Men.

    Quand on regarde A Better Tomorrow sous cet angle la trame et le choix des lieux du tournage forment des allusions au monde chinois et à l’histoire chinoise. Le film est connu pour sa composition de scènes ultra-violentes mais au fond c’est une histoire émouvante de personnes sympatiques dans des relations de famille compliquées confrontées à un monde sans merci.

    If you don’t know this movie, you don’t know Hong Kong cinema. A Better Tomorrow is a little gangster film that became nothing less than a phenomenon—a multiple award winning, box-office smashing tour-de-force from John Woo that single-handedly changed Hong Kong cinema forever. In other words, it’s pretty damn good.

    Review by Calvin McMillin:

    The plot of this 1986 film centers on the lives of HK gangsters Ho (Ti Lung) and Mark (Chow Yun-Fat), two triads living the highlife due to their involvement in a counterfeiting scheme. Ho’s younger sibling Kit (Leslie Cheung) adores his elder brother, but before long the two become separated by their professions. While Ho’s a slick crook, Kit’s quite the opposite: a police academy hopeful with something to prove. Despite his criminal ties, Ho vows to walk the straight and narrow for Kit’s sake, but is instead double-crossed on that proverbial “last job” and sent to prison. Adding insult to injury, Ho and Kit are horrified to find that a hitman has murdered their father due to Ho’s shady connections, thereby creating a significant rift between the formerly close brothers. And though super-cool gangster Mark avenges his imprisoned comrade in a fantastic guns-a-blazin’ revenge sequence, the deed comes at a price: Mark’s leg is crippled by an errant bullet.

    Time passes, but old wounds do not heal. With his chances for promotion shot straight to hell due to his brother’s checkered past, Kit is a cop on a mission with a huge chip on his shoulder. In addition, poor Mark has fallen from grace in the organization becoming more or less a janitor due to his hobbling injury. On the other hand, Ho finds some luck in his life by getting a job driving a taxicab for a boss (Kenneth Tsang) friendly to ex-cons. But unfortunately, it would seem that Ho’s relationship with Kit is irreparable. Even worse, former lackey Shing (Waise Lee) has become a crime boss in Ho’s absence and has taken umbrage with Ho’s adamant desire to stay honest. Angry at the snub, Shing goes after Ho’s loved ones: Kit gets plugged (he survives) and Mark is beaten half to death. In the end, the trio form an uneasy alliance, fulfilling an earlier philosophical musing by world weary Mark. When questioned about the existence of God, Mark responds, “Yes, I’m one, you’re one. A god is someone who controls his destiny.” And with guns in the hand, they do.

    What is perhaps most noticeable about the film are its principal themes of friendship and honor within modern society. In A Better Tomorrow, we encounter characters motivated not by cynicism and self-interest, but by love and mutual respect—a prototype of sorts for future films in the “heroic bloodshed” genre. While A Better Tomorrow may lack the gleeful intensity of its sequel’s gonzo final act, in some cases, these so-called deficits actually work to the film’s advantage. Devoid of much of the overdone “Woo-isms” that populate the director’s later films (and have actually become groan-inducing clichés), A Better Tomorrow is a polished, resonant piece of HK filmmaking and an absolute genre essential. (Calvin McMillin 2002)


    Notes: • The movie is actually a remake of the 1967 film called Story of a Discharged Prisoner, directed by Patrick Lung Kong and starring Patrick Tse Yin. Tsui Hark had been toying with the idea or a remake since his days in the TV business, but because of an overwhelming workload, had to pass the directorial reins to John Woo.
    • Tsui Hark instructed the screenwriters to portray the mobsters as counterfeiters rather than drug traffickers to up the “hero” factor.

    https://en.m.wikipedia.org/wiki/A_Better_Tomorrow

    https://en.m.wikipedia.org/wiki/Tomorrow_Will_Be_Better

    #Chine #cinéma #film

  • Voix noires

    Pour son premier documentaire « #Je_suis_noires », la Lausannoise #Rachel_M’bon a donné la voix à des #femmes_noires pour parler #racisme et quête identitaire.

    > AMNESTY : Pourquoi ce documentaire ?

    < Rachel M’bon : J’avais déjà réalisé des portraits de femmes afro-descendantes, en lançant en 2017 la page Instagram « @n_o_i_r_e_s ». Je les approchais dans la rue pour discuter de leur identité et du racisme en Suisse, pour les connaître au-delà des stéréotypes. Mais j’avais envie de leur donner une visibilité sur les écrans de cinéma : pour ce film, Juliana Fanjul et moi avons interrogé des femmes noires de toutes générations, actives dans différents secteurs, pour que chacun puisse s’identifier à elles. Je voulais montrer que malgré un statut social privilégié, leur couleur de peau a conditionné toute leur vie.
    > Comment le racisme systémique se déploie-t-il aujourd’hui en Suisse ?

    < Il y a de la discrimination à l’embauche, une éducation biaisée et un accès au logement plus compliqué. Dans le milieu de la santé, certains patients refusent d’être soignés par des personnes noires. La prise en charge est aussi problématique : le mal-être des patients noirs va fréquemment être minimisé. En cause, des biais racistes comme le « syndrome méditerranéen », qui suppose qu’ils vont exagérer leurs douleurs.
    > On parle souvent de micro-agressions, des comportements racistes banalisés qui ne seraient « pas méchants »…

    < Bien qu’elles ne partent pas forcément d’un mauvais sentiment, les micro agressions te renvoient à ton altérité. Comme lorsque l’on demande à une personne racisée d’où elle vient. Sa couleur de peau suppose qu’elle a moins sa place ici, alors qu’elle a peut-être vécu toute sa vie en Suisse depuis plusieurs générations. Autre exemple : on m’a demandé si j’étais adoptée car j’avais « des manières de blanche ». Qu’est-ce que cela signifie ? On s’attendait à me voir danser sur la table, ou à ce que je parle avec un accent ? Ces remarques peuvent nuire à l’estime de soi et la santé mentale.
    > Dans le documentaire, une jeune femme métisse confie qu’une partie de sa famille blanche ne lui fait pas la bise…

    < Le racisme au sein des familles est tabou. Ma mère s’est fait mal juger par une partie de sa famille bernoise, et des inconnus dans la rue la traitaient de « prostituée » car elle avait épousé un homme noir. C’est aussi très difficile pour les parents qui « ne ressemblent pas » à leur enfant. Lorsque je suis en public avec ma mère – blanche aux yeux bleus – et que je me présente comme étant sa fille, il y a toujours des regards dubitatifs.
    > Comment construire son identité noire dans un pays à majorité blanche ?

    < Il faut réussir à faire de ses multiples appartenances une force. À commencer par valoriser ses héritages culturels, sans pour autant négliger la culture du pays dans lequel on vit. J’ai moi-même longtemps renié mon africanité, avant de l’affirmer. Cela passe par le fait d’avoir des modèles noirs et de s’intéresser au cinéma, à la musique et à la littérature de différents pays africains. La collectivité est aussi une force : les espaces de parole non-mixtes, où l’on échange sur son vécu et ses questionnements, sont libérateurs. Même si chaque personne noire a une identité propre, on peut trouver des similarités dans les parcours de vie.
    > Quels effets espérez-vous que « Je suis noires » produise ?

    > Je le vois comme un outil de dialogue et de déconstruction de soi. Je l’ai projeté dans plusieurs lycées et il y a eu beaucoup de retours positifs. Le racisme est un problème de blanc, comme dirait l’autrice Reni Eddo-Lodge. La lutte ne doit pas être uniquement menée par les personnes concernées, elle doit être collective. Tant que les personnes blanches ne se conscientisent pas, la discrimination raciale ne pourra pas être éradiquée.
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    Mots clé

    Magazine « amnesty »
    Suisse
    Discrimination
    Racisme
    Droits des femmes

    Magazine AMNESTY

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    #documentaire #film #film_documentaire #Suisse

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  • [Les Promesses de l’Aube] #elles_tournent, quinzième édition
    https://www.radiopanik.org/emissions/les-promesses-de-l-aube/elles-tournent-quinzieme-edition

    Ce mercredi j’aurai le grand plaisir de parler de la 15ème édition du #festival Elles Tournent. Pour cela, j’aurai le plaisir d’accueillir Jacqueline Brau, administratrice de l’asbl Elles Tournent et membre active de l’équipe programmation, Alizée Loumaye, pour parler du projet Graines de Cinéastes, qui comprend à l’intérieur du Festival deux séances de courts-métrages et différents événements professionnels qui soutiennent les #femmes qui débutent dans le milieu audiovisuel belge, et Numa Jardin, la réalisatrice de « Fluid ».

    Programmation musicale :

    My Queen is Nanny of the Maroons - Sons of Kemet Psychedelic Women - Honny & The Bees Band A bas l’état policier - Dominique Grange / Accordzéâm A bas l’Etat Policier - Strike Sisters Le Seigneur des Mouches - Juliette Big in Japan - Ane Brun Les (...)

    #cinéma #jeunes #film #visibilités #cinéma,jeunes,femmes,festival,film,elles_tournent,visibilités
    https://www.radiopanik.org/media/sounds/les-promesses-de-l-aube/elles-tournent-quinzieme-edition_15501__1.mp3

  • Écoute les murs tomber

    « Écoute les murs tomber » est un long-métrage documentaire, construit en un diptyque s’installant aux deux extrémités de la #France. Deux #balades guidées par le regard des personnes qui peuplent chaque endroit.
    À Marseille, une copropriété dégradée du sud de la ville est cernée de murs la séparant des résidences privées voisines.
    À Calais, les #barrières et les #barbelés cherchent à repousser et à rendre invisibles les personnes exilées désireuses de rejoindre l’Angleterre pour y construire une vie meilleure.
    « Écoute les murs tomber » raconte comment l’humain, poussé par le désir d’aller et venir, de vivre et de s’affranchir des interdits et des impasses contourne, seul ou en collectif, ce qui l’enferme, l’empêche, le contraint. Face aux murs, « Écoute les murs tomber » propose des chemins d’espoir et de dépassement.

    https://www.lussasdoc.org/film-ecoute_les_murs_tomber-1,55904.html

    #film #film_documentaire #documentaire #murs #murs_intra-urbains #Marseille #Calais

    • « Les murs sont comme des preuves matérielles d’absence de solution sociale »

      Le collectif roubaisien La Friche vient de sortir un long métrage documentaire sur les murs qui, de Calais à Marseille, enferment les corps et les esprits. Intitulé Écoute les murs tomber, il donne à voir l’universel et l’absurde de frontières mortifères qui seront toujours poreuses face aux aspirations à plus de liberté de mouvement.

      Entre fable et documentaire, récits de vie et actualités sociales, Écoute les murs tomber est un long métrage documentaire autant poétique qu’ancré au béton des murs et aux barbelés des frontières. Porté par la discrètement puissante voix-off de l’artiste Casey récitant un conte d’Hannah Arendt, il nous emmène en balade aux côtés de celles et ceux qui se confrontent à ces murs, du quartier de la Cravache, dans le sud de Marseille, à l’autre bout de la France, à Calais. D’un côté, des copropriétés cloisonnent les quartiers populaires sur eux-mêmes et pourrissent la vie de ses habitants. De l’autre, les murs se font frontières, grillages et barbelés pour empêcher les exilé·es d’aspirer à une vie meilleure en Angleterre. Deux situations qui, sans être comparables, se font écho dans ce que les murs ont d’absurde et de violent, de dépassable et de poreux, complétant un même panorama sur les entraves à la liberté de circuler, et sur les inarrêtables aspirations à plus de liberté.

      Discussion avec Lucas Roxo, Léo Kekemenis et Flora Beillouin, membres du collectif de journalistes, d’auteur.es et de documentaristes La Friche, basé à Roubaix.

      À la base, votre collectif indépendant fait surtout de la production de contenus documentaires et des ateliers d’éducation aux médias, pourquoi avoir fait ce film ?

      Lucas : « Notre dernier projet en date, c’était de faire des résidences de deux semaines dans plusieurs endroits représentatifs de la manière dont l’État français bafoue ses grands principes républicains, notamment auprès des exilé·es à Calais et dans le quartier de la Cravache, à Marseille. L’idée, c’est de travailler avec les personnes sur place pour déconstruire les récits médiatiques et voir avec elles ce qu’elles peuvent proposer comme récit alternatif. On choisit collectivement des thématiques liées aux préoccupations locales, des sujets qui touchent les personnes que l’on rencontre. »

      Vous avez vu des points communs entre ces deux résidences ?

      Flora : « Très clairement, l’idée de se protéger de ses voisins, de construire des barrières et des frontières. Les murs sont comme des preuves matérielles d’absence de solution sociale à des situations complexes. Tout en sachant que cela n’empêche aucunement la situation d’empirer, bien au contraire. »

      Lucas : « Lors de ces deux résidences, qui devaient déboucher sur deux reportages différents, on s’est rendu compte qu’il y avait une thématique qui revenait systématiquement : les murs, visibles et invisibles, comme entraves à la liberté de circuler. Les deux situations se faisaient écho, se complétaient dans leurs manières de raconter comment les murs enferment les corps et les esprits. »

      Les deux situations sont pourtant très différentes, voire peu comparables...

      Lucas : « On s’est vraiment demandé si c’était une bonne idée de parler des deux histoires dans un même film. Il ne s’agit pas de dire que c’est la même chose de voir son quartier encerclé par des murs et des grillages fermés, que de risquer sa vie pour traverser la mer. À travers le texte d’Hannah Arendt, on a essayé de construire le film comme un conte social, une réflexion sur la société d’aujourd’hui, le repli sur soi et la manière dont on installe des frontières à tous les endroits de nos envies intimes, professionnelles, locales comme nationales. On voulait partir du terrain pour voir comment l’État, soit en ne faisant rien et en laissant empirer la situation, soit en construisant lui-même les murs, participe à ces entraves à la liberté de circuler. On voulait partir de situations locales pour avoir une réflexion universelle. »

      Qu’est-ce que vous avez vu d’universel dans les murs ?

      Flora : « Ce qui lie ces deux situations, c’est la ségrégation sociale et spatiale, inégale en fonction d’où tu viens et de ton parcours. Mais ce sont aussi deux histoires de résistances face à des murs qui ont toujours une forme de porosité. À Marseille, Rémi pratique le Parkour comme manière concrète d’enjamber et de dépasser les murs. À Calais, les exilé·es continuent de passer, malgré la politique sécuritaire et la militarisation de la zone. »

      C’est quoi l’histoire du quartier de la Cravache ?

      Flora : « La Cravache et Sévigné sont deux quartiers voisins dans le sud de Marseille (9e arrondissement) en copropriété collective. Le mur qui les séparait est tombé lors d’une tempête il y a bien longtemps1, et la plupart des habitant·es de la Cravache utilisait cette brèche très casse-gueule pour se déplacer dans le quartier d’à côté, où se trouvent l’école, le collège, les commerces, la boulangerie, le club de tennis, de boxe... Mais au lieu d’aménager le passage, la copropriété du Nouveau Parc Sévigné a reconstruit le mur, encore plus haut qu’avant. Les habitant·es sont forcé·es de faire de longs détours pour le contourner, tout en voyant les résidences fermées condamner certains chemins que tout le monde utilisait2.

      Lucas : « Et autour de ces deux quartiers, il y a des résidences privées qui forment des petites zones pavillonnaires. Avant tout était ouvert, avec des rues de tous les côtés, et les habitants pouvaient circuler librement entre les quartiers. Maintenant, les propriétaires privés des alentours ont mis des grilles, des portails et des cadenas. Il y a de plus en plus de résidences privées qui se ferment comme ça à Marseille.3 »

      La scène où une propriétaire affirme que le chemin pour aller à l’école n’est pas libre d’accès est surréaliste...

      Léo : « Dans ces zones, dès qu’on sortait une caméra, que ce soit devant une école ou une boulangerie, on nous disait : “Non ! Vous ne pouvez pas filmer ici, c’est privé !” Une autre fois, une dame vient nous embrouiller et nous dit : “C’est pas un quartier ici, c’est une copropriété privée ! Et maintenant qu’il y a le mur, je dors beaucoup mieux, y avait du trafic ici...” Et à côté t’entends tous les petits murmurer : “Elle dit n’importe quoi.” »

      Flora : « On a rencontré la chercheuse Élisabeth Dorier qui travaille sur ce sujet. Elle pointe du doigt l’ampleur de ces résidences privées et des fermetures progressives des quartiers. Marseille est une des villes de France où il y en a le plus4. »

      Au-delà des corps physiques, les imaginaires sont aussi importants face aux murs ?

      Lucas : « À Calais comme à Marseille, on a aussi vu que les murs physiques pouvaient aussi cloisonner les imaginaires, et réduire les possibilités de penser comment dépasser des situations sociales et politiques qui sont très violentes. On s’est demandé comment faire pour que la narration du film arrive à proposer cette ouverture d’imaginaire pour amener vers l’engagement, la lutte et la traversée… C’est un film sur l’enfermement qui pose aussi la question des possibilités de pouvoir penser autrement la réalité, en nourrissant nos imaginaires avec autre chose que des murs et des frontières. »

      Flora : « À Marseille, Rémi explique que peu de gamins qui grandissent à la Cravache sont allés à la mer, juste à côté, ou encore à la Cité radieuse, en face de la cité. L’enfermement, c’est aussi cet empêchement de se projeter, de s’imaginer dehors et donc de sortir réellement, ce qui les coupe physiquement et mentalement des endroits de cultures et d’éducation. L’exemple de l’école primaire, une école publique qui se retrouve renfermée sur le quartier d’à côté, et oblige les gamins à faire un gros détour pour la rejoindre, c’est une violence symbolique et physique qui est très forte. »

      Le conte d’Hannah Arendt se termine avec l’idée que les murs se pétrifient et que se pose le dilemme de s’y fracasser la tête, ou de les contourner...

      Lucas : « Pour moi, la personne qui résume le mieux la complexité du film, c’est Abdullah, que l’on suit dans la deuxième partie du film à travers les rues de Calais où il vit aujourd’hui légalement. Il est parti d’Afghanistan à quatorze ans parce que ses parents voulaient qu’il rejoigne les talibans. Il traverse la moitié du monde et arrive à Calais vers seize ans. Il réussit à traverser et vit en Angleterre pendant six ans. Il revient à Calais au moment de “la grande jungle”, y reste deux ans et fait partie des derniers expulsés. Il entre ensuite au Secours catholique en tant que bénévole, et vient d’avoir son passeport. Dans l’entretien, il dit que, d’un côté, la situation à Calais est pire qu’avant et que, maintenant qu’il est Français, il est en permanence victime de contrôle au faciès… comment tu fais pour sortir de ce cycle infernal ? Il pose la question de la meilleure manière de traverser un mur. Est-ce que c’est de le casser, de le contourner ou de faire avec ? Le film ne donne pas de solutions, mais il invite à réfléchir ensemble pour les esquiver, les contourner, les casser... »

      https://cqfd-journal.org/Les-murs-sont-comme-des-preuves

  • FILM : Sivens, un c as d’école

    Le film « Gestion de l’eau – Sivens : un cas d’école » recueille des témoignages d’acteurs du projet deterritoire du bassin versant du Tescou (PTGE Tescou), du directeur de FNE Midi-Pyrénées et d’une agricultrice de la vallée. Co-financé par Attac Tarn, le Collectif Testet et Nature & Progrès Tarn, ce film a été réalisé par FNE Midi-Pyrénées.

    Articulé autour de 5 chapitres, le film :

    • apporte le point de vue de plusieurs acteurs locaux sur le PTGE du bassin versant du Tescou lancé en mars 2017,
    • rappelle l’importance des zones humides pour la biodiversité,
    • montre l’intérêt de stocker l’eau dans le sol grâce à l’agroécologie,
    • explique le cycle de l’eau sur le bassin,
    • et propose des idées de projets pour un territoire vivant.

    http://www.eauxglacees.com/FILM-Sivens-un-c-as-d-ecole

  • Un café allongé à dormir debout, de Philippe De Jonckheere,

    traileure :

    https://desordre.net/bloc/ursula/un_cafe_allonge_a_dormir_debout/index.htm

    dimanche 26 mars 2023 à 19h, Cinéma 1 à Beaubourg, projection précédée de celle du film « If You Yon’t Watch The Way You Move » de Kevin Jerome Everson, et suivie d’un débat auquel @philippe_de_jonckheere participera (la billetterie du « Cinéma du réel » n’est pas encore ouverte)

    vendredi 31 mars à 16H15, au Forum des images.

    #film #documentaire

  • Bretagne et diversité | BED
    https://bed.bzh/fr
    Arpenter le monde.
    800 films emblématiques de la diversité culturelle et des minorités.

    Bed a refait sont site... Sa collection de #films s’enrichit, je vais commencer par :
    De la cuisine au parlement

    La route de la cuisine au parlement a été longue et semée d’embûches pour les Suissesses. Quatre générations ont dû se battre pour que l’électorat masculin accorde aux femmes le droit de participation aux décisions politiques. Ce documentaire retrace ce chemin avec sensibilité et humour.

    https://bed.bzh/fr/films/de-la-cuisine-au-parlement

  • 2 Himmels-Bilder - DaybyDay ISSN 1860-2967
    https://www.daybyday.press/article8213.html

    An Stelle der Imbißbude wo sich 1986 der Mensch gewordene Engel Peter Falk und Solveig Dommartin in ihrer Rolle als Marion unterhalten, hat uns die Stadtverwaltung einen Fahrradständer beschert.

    Zu guter Letzt noch dieser Screenshot aus dem laufenden Film mit einem weiteren Bezug zur aktuellen Lebenswirklichkeit:

    Denn der Standort der Redaktion liegt seit 2022 in unmittelbarer Nachbarschaft zum U-Bahnof "Güntzelstraße, am Prager Platz.

    Wim Wenders: Muffensausen beim „Himmel über Berlin“
    https://www.welt.de/kultur/kino/article846526/Muffensausen-beim-Himmel-ueber-Berlin.html

    Wim Wenders: Ich denke vor allem: „Mensch, wie haben wir das bloß gemacht?“ Das ist ein Film, für den es keine Formel, kein Rezept und kein Vorbild gab. „Das würde ich nie wieder so hinkriegen!“ Das bringt wohl am meisten auf den Punkt, was mir beim heutigen Sehen in den Sinn kommt.

    WELT ONLINE: Woran erinnern Sie sich am liebsten?

    Wenders: An die Arbeit mit dem alten Curt Bois. Wie wir da eines Sonntags morgens auf dem Potsdamer Platz gedreht haben, an der Mauer, unter der Magnetbahn, die damals da noch entlang fuhr. Kein Mensch weit und breit. Das war ja eine Stadtwüste, eine Steppe, ein Niemandsland. Die Sonne schien, es war aber trotzdem kalt. Curt war ein Witzbold. Der brachte uns alle ständig zum Lachen. Und was er alles zu erzählen hatte zu dem alten Platz, den er tatsächlich als junger Mann mit seinem Auto oft überquert hatte. Den armen Otto Sander brachte Curt an dem Tag zur Verzweiflung. Wenn Otto hinter ihm stand, was er ja in seiner Rolle als sein Schutzengel oft genug mußte, ließ Curt sich immer unvermittelt nach hinten fallen, sobald ich „cut“ gesagt hatte. Dann mußte Otto ihn auffangen. „Du bist doch mein Schutzengel!“ begründete Curt das. Auch beim Proben ließ er sich plötzlich nach hinten fallen. Nicht nur angetäuscht. Wenn Otto ihn nicht immer festgehalten hätte, hätte der alte Mann sich Gott weiß was brechen können.

    Pommesbude aus legendärem Film: Jetzt kommt sie in den Frittenhimmel - taz.de
    https://taz.de/Pommesbude-aus-legendaerem-Film/!5288827

    1.4.2016 von Claudius Prösse - In „Himmel über Berlin“ trank Peter Falk hier Kaffee; jetzt wird die im Film zu sehende Pommesbude am U-Bahnhof Güntzelstraße abgerissen. Warum nur?


    Einst stand hier Peter Falk; nun steht hier bald nichts mehr.Foto: dpa

    Nichts weiß die junge Frau über den Mann, den sie sucht, nicht, wie er aussieht, und auch keinen Namen. „Nothing, huh? Now, this is a tough case“, gluckst Peter Falk, der gerade einen Kaffee am Imbiss trinkt. Bundesallee Ecke Trautenaustraße, neben dem Eingang zum U-Bahnhof Güntzelstraße und der Shell-Tankstelle. Was hat Lieutenant Columbo dorthin verschlagen? Ganz einfach: das Drehbuch von Wim Wenders’ „Der Himmel über Berlin“, 1987, Koautor Peter Handke.

    Peter Falk spielt darin einen US-Seriendarsteller namens Peter Falk, der in Wirklichkeit früher Engel war und deshalb gerne mal auf Verdacht mit seinen Exkollegen plaudert, etwa beim Kaffee. In diesem Fall ist die junge Frau aber ein Mensch und auf der Suche nach Bruno Ganz alias Damiel, noch so einem frisch geerdeten Geistwesen.

    Peter Falk ist tot, Solveig Dommartin, die Frau, ebenso. Bruno Ganz spielt nur noch eine einzige Rolle, den grantelnden Alten mit den buschigen Augenbrauen und dem weichen Kern. Überhaupt ist Berlin nicht mehr, was es 1987 mal war. Aber die Bude, die steht noch. Noch!

    Vergilbte Filmszenen

    Denn schon seit Jahren brutzeln hier keine Pommes mehr in Palmin, der Rollladen bleibt unten, und die Screenshots aus dem Film, der die kleine Bräterei ein bisschen berühmt gemacht hat, vergilben hinter verschmiertem Kunststoff. Und in ein paar Wochen soll das Abräumkommando anrücken, sagt der Baustadtrat von Charlottenburg-Wilmersdorf, Marc Schulte (SPD), auf Anfrage der Grünen im Bezirk. Es gelinge dem Amt nämlich einfach nicht, Kontakt zum heutigen Eigentümer herzustellen. – Mal im Ernst: Wer macht denn so was? Ohne Not die ganz reale Kulisse eines Kultfilms be­seitigen? Um womöglich an derselben Stelle einen Kotbeutelspender oder eine Stromzapfsäule aufzustellen? Das darf nicht passieren.

    An dieser Stelle deshalb die herzliche Bitte an Wim Wenders, der immerhin noch lebt und sich guter Solvenz erfreut: Kaufen Sie die Bude! Lassen Sie dort wieder Fritten im Fettbad schwimmen, oder stellen Sie halt einen Bildschirm rein, auf dem Ihre Filme rauf und runter laufen. Oder besser nur den „Himmel“, das reicht.

    Damit sich die größten Melancholiker unter uns auch künftig davorstellen können, um bedeutungsschwanger ins Leere zu sprechen: „I can’t see you, but I know you’re here. I feel it. Compañero.“

    #Berlin #Wilmersdorf #Taxihalte #Trautenau #Bundesallee #U-Bahnhof_Gützelstraße #Trautenaustraße #Prager_Platz #Film #Himmel_über_Berlin

  • La canonnière du Yang-Tsé - Regarder le film complet | ARTE
    https://www.arte.tv/fr/videos/111605-000-A/la-canonniere-du-yang-tse


    cf. https://seenthis.net/messages/26024#message26065

    dimanche 5 mars à 20:55

    En 1926, un marin américain (Steve McQueen) patrouillant sur le fleuve Yang-Tsé se retrouve pris au piège de la guerre civile chinoise... Contemporaine du conflit au Viêtnam, cette flamboyante fresque historique de Robert Wise ("La mélodie du bonheur") charrie une critique subtile de l’impérialisme américain.

    Chine, 1926. Le matelot Jake Holman débarque à Shanghai pour prendre son poste de mécanicien en chef sur le San Pablo, une vieille canonnière américaine. Il y rencontre une jeune et jolie compatriote, Shirley Eckert, institutrice dont il tombe immédiatement amoureux. Tandis que Holman sillonne le fleuve Yang-Tsé avec son équipage, les affrontements entre les nationalistes de Tchang Kaï-chek et les communistes se durcissent. En tentant de porter secours à des missionnaires, Holman et ses hommes se retrouvent au cœur des combats…

    Épique et intimiste
    À l’aise dans tous les genres, le réalisateur de West Side Story et de Star Trek : le film signait en 1966 une flamboyante fresque historique, à la fois épique et intimiste, tirée d’un roman de Richard McKenna. Dans le sillage de ces marins américains plongés dans le bouillonnement révolutionnaire de la Chine des années 1920, le film oscille entre scènes d’action parfois féroces, passions contrariées et méditation contemplative exaltant la magnificence des paysages traversés. Tournée en pleine guerre du Viêtnam, cette subtile charge anticolonialiste, qui évite l’écueil moralisateur, vaut aussi pour la performance tout en nuances de Steve McQueen, excellent dans ce rôle de militaire tiraillé entre sa loyauté patriotique et sa conscience d’homme.

    Réalisation : Robert Wise
    Scénario : Robert Anderson
    Producteur/-trice : Robert Wise, Charles Maguire
    Image : Joseph MacDonald
    Montage : William Reynolds
    Musique : Jerry Goldsmith

    Avec

    Steve McQueen (Jake Holman)
    Candice Bergen (Shirley Eckert)
    Richard Attenborough (Frenchy Burgoyne)
    Richard Crenna (capitaine Collins)
    Mako (Po-han)
    Marayat Andriane (Maily)
    Larry Gates (Jameson)

    Auteur.e : Richard McKenna
    Pays : Etats-Unis
    Année : 1966

    Kanonenboot am Yangtse-Kiang / The Sand Pebbles
    https://en.wikipedia.org/wiki/The_Sand_Pebbles_(film)

    #Chine #film #cinéma

  • Leo Hurwitz
    https://leohurwitz.com

    If you work in documentary films, are interested in them, want to know more about the cultural history of the 20th Century, love the work of Leo Hurwitz, this place will definitely keep you busy.

    Leo Hurwitz, though not widely known today, was one of the important pioneers of the documentary film. Through this site, you can experience the wide and exciting spectrum of his films (virtually all of his available work is streaming here); find out about the passion behind the invention of the social documentary on the part of Hurwitz and his colleagues; find out about the price they paid as progressive ideas and content were viciously repressed in America in the middle of the century; learn about the forefathers and mothers of our present documentary boom.

    Especially if you are a documentarian, you need to know how we all got to where we are now. A good place to start is Why Leo?

    Hunger - The National Hunger March to Washington 1932
    https://vimeo.com/355861766?embedded=true&source=vimeo_logo&owner=55157758

    https://en.m.wikipedia.org/wiki/Leo_Hurwitz

    Leo Hurwitz (June 23, 1909 – January 18, 1991) was an American documentary filmmaker. Among the films he directed were Native Land (1942) and Verdict for Tomorrow (1961), the Emmy Award- and Peabody Award-winning film of the Eichmann trial. He was blacklisted during the McCarthy period for his strong left-wing political beliefs.

    The World in Review
    https://leohurwitz.com/movie/the-world-in-review

    https://vimeo.com/355861766?embedded=true&source=vimeo_logo&owner=55157758

    The World in Review and America Today is one of several films distributed by the Worker’s Film and Photo League. Inspired by the documentary photography movement in Germany in the late 1920s, the League documented political demonstrations and strikes for the U.S.’s left-wing press. It was founded in New York City in l930 and quickly spread to other cities. Their work was shown at union meetings and even in outdoor screenings at night. Since establishment newspapers did little to spread information on left wing and union activities, those screenings provided an invaluable means of keeping workers up to date on what was happening around the world. Their rare theatrical screenings usually occurred in art houses before European or Soviet films. The New York chapter disbanded in 1934, though some of its members moved on to create their own documentary production companies.

    #film #documentaire

  • Interdit aux chiens et aux Italiens

    Début du XXe siècle, dans le nord de l’Italie, à Ughettera, berceau de la famille Ughetto. La vie dans cette région étant devenue très difficile, les Ughetto rêvent de tout recommencer à l’étranger. Selon la légende, Luigi Ughetto traverse alors les Alpes et entame une nouvelle vie en France, changeant à jamais le destin de sa famille tant aimée. Son petit-fils retrace ici leur histoire.

    https://www.gebekafilms.com/fiches-films/interdit-aux-chiens-et-aux-italiens

    #film #film_d'animation #Italie #France #migrations #Piémont #histoire #beau

  • #Athenian_material

    À #Athènes, en pleine crise grecque, Bizas, écologiste, Kadir, chiffonnier, Aphanassia, ferrailleuse tzigane et Yannis, chauffeur de benne à ordures, nous entrainent dans un autre monde : celui des #déchets qui prolifèrent au rythme de notre #surconsommation. Avec eux, le film, à la fois réaliste et poétique, nous plonge dans un enfer contemporain qui rappelle l’antique royaume d’Hadès, lieu des invisibles où la matière brûle sans fin. Paradoxalement, loin de céder à la tragédie, leurs récits pointent un monde nouveau qui reste à inventer.

    https://www.film-documentaire.fr/4DACTION/w_fiche_film/66246
    #film #documentaire #film_documentaire #villes #urban_matter #santé #inégalités #décharge

  • Nouvelle #chaîne #Peertube pour la compagnie « Le Bateau Ivre » !

    https://www.lebateauivre.info/stagedemime/peertube

    Il s’agit d’une chaîne dédiée au cinéma muet et destinée aux futurs participants.e.s du Stage de Mime « Tournez dans un film de cinéma muet ».

    Vous diriez peut-être : « Mais il n’y a que du Max Linder ! »
    Comme vous auriez raison. Mais c’est une nouvelle chaîne... Il faut bien commencer par une étoile. Comme Max Linder était la référence de Sir Charles Spencer Chaplin, ce ne peut être qu’un bon début.

    #Melun #SeineEtMarne #ÎleDeFrance #stage #formation #Mime #tournage #films #CinémaMuet #CourtsMétrages #lbi2223

  • Mehr als 2 Millionen Euro zusätzlich für die Berlinale
    https://www.bundesregierung.de/breg-de/aktuelles/mehr-geld-fuer-die-berlinale-2155958

    Die Internationalen Filmfestspiele Berlin gehören zu den bedeutendsten Filmfestivals weltweit. Der Bund fördert die „Berlinale“ jährlich mit rund 10,7 Millionen Euro. Dazu kommen nun weitere 2,2 Millionen Euro, damit das Festival auch 2023 „in vollem Umfang“ durchgeführt werden kann, so Kulturstaatsministerin Roth.

    PER E-MAIL TEILEN, MEHR ALS ZWEI MILLIONEN EURO ZUSÄTZLICH FÜR DIE BERLINALE

    „Die Berlinale ist das wichtigste deutsche Filmfestival, das eine große internationale Ausstrahlung und Anziehungskraft hat und ein echter Publikumsmagnet ist“, erklärte Roth. Bereits in diesem Jahr seien zusätzliche Anstrengungen unternommen worden, um die Berlinale trotz schwieriger Pandemielage möglich zu machen.

    Auch die Rahmenbedingungen der kommenden Ausgabe sind in mehrerer Hinsicht von einer außergewöhnlichen Krisensituation geprägt. Deshalb wird die Staatsministerin für Kultur und Medien das Festival einmalig mit bis zu 2,2 Millionen Euro zusätzlich unterstützen. „Damit möchten wir dazu beitragen, dass die Berlinale auch 2023 zu einem vollen Erfolg werden kann.“ Das stärke auch den Filmstandort Deutschland, so Roth.

    Die Berlinale ist neben Cannes und Venedig nicht nur eines der bedeutendsten europäischen, sondern auch international eines der wichtigsten Filmfestivals. Der Bund fördert die Filmfestspiele mit 10,7 Millionen Euro aus dem Haushalt der Kulturstaatsministerin. Die nächste Ausgabe findet vom 16. bis 26. Februar 2023 statt. Weitere Informationen finden Sie hier.

    Freitag, 30. Dezember 2022

    #Berlin #Bundesregierung #Film #Kultur #Berlinale #2023